Und hier ist es … schon wieder …

 

Wer sich in den 1970-er Jahren in Düsseldorf für Freitagnacht verabredete, traf sich auf der Ratinger, eine Seitenstraße der Düsseldorfer Altstadt. Gemeint war entweder das Uel, das Einhorn oder der Hof, wie Insider ein garagenähnliches Gebäude nannte; Touristen wollten sich dagegen im Ratinger treffen. 1978 spielten dort innerhalb kürzester Zeit drei Bands, die meine Hörgewohnheiten veränderten: Pere Ubu, 999 und Wire.

 

Pink Flag, das erste Album der Londoner Band, ist rau und schroff, gut abgehangener Punk. 21, überwiegend kurze Songs, von denen sechs weniger als eine Minute dauern. Hier deutet sich an, was die Combo auf den nächsten beiden Alben zur Meisterschaft führen sollte, sie wichen von konventionellen Songstrukturen ab und verfolgten einen minimalistischen Ansatz.

Künstlerisch ernstnehmen konnte man Wire ab dem zweiten Album, Chairs Missing. Während Pink Flag einen eher minimalistischen Ansatz präferierte, enthält dieses Album komplexe Songs, die weit über die Drei-Minuten-Marke hinausgehen. Mike Thorne, der das Album auch produzierte, fügte Keyboards zu einem Sound hinzu, der zuvor ausschließlich aus Gitarre, Bass und Gesang bestand. Diese zusätzlichen Texturen erweitern den Sound der Band in Zukunft, auch das kommende Album enthält Keyboards sowie Holzblasinstrumente. Jeder Song auf diesem Album ist meisterhaft komponiert, gerade weil es an traditionelleren Popsong-Strukturen mangelt.

Wire folgte diesem Album ein Jahr später mit dem ebenso beeindruckenden Nachfolger 154. Man kann die These riskieren, dass Wire drei der produktivsten Jahre in der Geschichte des Punkrocks hatte. Chairs Missing ist ein brillantes Zwischenstück. Es umfasst fünfzehn Tracks, darunter zwei Singles, den Beinahe-Hit „I Am The Fly“. Die Songs sind eine Mischung aus Brutalität und Schönheit, Schock und Ehrfurcht, Gitarren-Crunch und Synthesizer-Washes sowie lyrischer Einsicht und inspiriertem Unsinn. Der schlichte Punkrock von Pink Flag wird durch Keyboards und Synthesizer konkretisiert und die exzellente Musikalität von Bruce Gilbert, Graham Lewis und Robert Gotobed ​​kommt noch ein wenig mehr zur Geltung, als des Geist des Punk aus der Asche der Pistols aufzusteigen zu lassen.

Der Titel 154 ist ähnlich unprätentiös wie Draht oder vermisste Stühle. Der Titel ist benannt nach der Anzahl der Auftritte, die Wire bis zu diesem Zeitpunkt gespielt hatte.  Der Opener „I Should Have Known Better“ gibt die Richtung vor. Bedrohlich wirkende Synthesizer kurz vor der Wahrnehmung, schleppender Bass, immer mehr oder weniger derselbe Akkord, bedrohliche Verzerrung im Vordergrund, die ständig alles einhüllt und sich nach Belieben auflöst, Mit zunehmender Laufzeit kommt und geht es mit immer höherer Intensität, die Aufregung in Newmans Gesangsdarbietung wird mit jeder Zeile spürbarer – der subtile Verlauf ist insgesamt wunderbar und bis zur Perfektion ausgearbeitet. Das LP-Herzstück „A Touching Display“ läuft knapp unter der Sieben-Minuten-Marke. Der Song ist die Zusammenfassung der Experimentierfreudigkeit und des Ehrgeizes von Wire: Denken Sie nur zwei Jahre zurück, und ihre durchschnittliche Songlänge lag bei etwa einer Minute und vierzig Sekunden, und doch erschaffen sie jetzt dieses grüblerische Monster, ohne auch nur mit der Wimper zu zucken. Eine minutenlange, erschütternde Kombination aus drei ausgewählten Noten, begleitet von leise krachenden Symbolen und aufsteigenden rätselhaften Synthesizern, eröffnet den Track, gefolgt vom Einsatz einer elektrischen Bratsche, die unheimlich jammert und den anhaltenden Gesang, der immer an Charakter und Überzeugung gewinnt, eine weitere Minute zuvor auf seltsame Weise ergänzt es wird noch lauter und launischer. Von der düsteren Einleitung bis zum langen Abklingen und Ausklingen ist das Tempo nie wirklich auf Hochtouren. Es baut sich immer weiter auf und wird von Zeit zu Zeit immer erschütternder und welterschütternder intensiver. Bei aller Spannung gibt es kein spürbares Gefühl der Befreiung.

154 ist ein echtes Meisterwerk, eine Reise in die Tiefen der persönlichen Hölle, ein dunkler, klaustrophobischer Raum. Newmans „Sag nichts mehr“-Gesangsstil und die neuen Ausrichtungen der Band sind für Wire der große Sprung nach vorne sein. Es ist Bruce Gilbert, der dieses Album zu einem Rockklassiker macht. Er zeigt verschiedene Möglichkeiten der Stromgitarre ist clever genug, um sie eher nah und intim als distanziert und kalt klingen zu lassen. Outdoor Miner ist ein Jangle-Pop-Song mit wunderschönen Harmonien, vagen Texten und einem großartigen Mitsing-Refrain. Es war eine Nr. 51-Single in Großbritannien und ein großer Hit in A Parallel Universe. Vom Konkreten bewegt sich die Combo, bewegt noch weiter ins Abstrakte. „On Returning“, „The 15th“ und „Two People in a Room“ sind prägnante, druckvolle Songs, bei denen der Gesang im Vordergrund steht, manchmal mit zweistimmigen Harmonien. Der letzte davon ist einer der großartigen, rasenden Momente von Wire, in dem Newmans gequälter Gesang Bruce Gilberts intravenöse Gitarrenriffs mit verrückten Rufen „Mein Gott, sie sind so begabt!“ herunterbrüllt. Das Herzstück von 154, „A Touching Display“, stellt „Mercy“ in den Schatten; Es ist eine höllische Klanglandschaft, in der Lewis‘ stark verzerrter und bearbeiteter Bass eine erschütternde Antimelodie hervorbringt.

Die Vielfalt des Songwritings auf 154 ist atemberaubend. Es gibt poppige Güte in Form mit schwebenden Synthesizern im Hintergrund, ansteckenden, klirrenden Gitarrenlinien, unterstützt von einer hervorragenden Gesangsleistung. Es handelt sich um einen Song, der sich an älteres Material wie „Mannequin“ oder „Outdoor Miner“ orientiert, so unglaublich eingängig und eingängig ist, dass er für Ersthörer eine passende Einführung in die Gruppe darstellen würde und durchaus ein Radiohit werden könnte. Es gibt geradlinige Rocker wie die zermalmenden, manischen Percussions und die durchdringenden, alptraumhaften Gitarren auf „Two People In a Room“, die an die Pink Flag-Ära erinnern, und wie „Once Is Enough“, ein Track mit mitreißendem Bass und einer, der … droht oft spastisch außer Kontrolle zu geraten. Es gibt unheimlich experimentelle, dissonante Titel wie „The Other Window“ mit seinem bizarren Erzählansatz, „A Mutual Friend“, das sich in seiner viereinhalbminütigen Laufzeit von einem gruseligen Anfang zu einer Passage mit gelassen blasendem Englischhorn entwickelt , seine Ruhe wird zeitweise durch statische Aufladungen unterbrochen.

Die Alben stellen in beeindruckender Weise dar, was aus Punk hätte werden können. By the way, die meisten Verabredungen auf der Ratingerstraße sind fehlgeschlagen. Wenn man jemanden traf war die Antwort auf die Frage nach jeder oder jemandem: „Keine Ahnung, wahrscheinlich verschwunden im Bermuda-Dreieck.“

 

 

 

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Pink Flag, Chairs Missing, 154, Wire 1977 – 1979

Weiterführend → Der Musikkritiker Ben Watson bezeichnet „Zappas Mothers of Invention“ als „politisch wirksamste musikalische Kraft seit Bertolt Brecht und Kurt Weill“ wegen deren radikalem, aktuellen Bezug auf die negativen Aspekte der Massengesellschaft. So besehen war Frank Zappa neben Carla Bleys Escalator Over The Hill einer der bedeutendsten und prägendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts. Gehört Miles Davis nicht dazu? Oder ist Fake Jazz das Eigentliche?

In der Reihe mit großen Blues-Alben hören wir den irischen Melancholiker. Hören den Turning Point, von John Mayall. Vergleichen wir ihn mit den Swordfishtrombones, von Tom Waits und den Circus Songs von den Tiger Lillies. Unpeinlich Deutsche Texte von Ton, Steine, Scherben. Wir ertasten auf KUNO den Puls des Motorik-Beats. Und machen eine Liebeserklärung an die „7-Inch Vinyl Record Single“. Krautrock ohne angloamerikanisches Vorbild – lässt es auch die Kraaniche fliegen? War David Gilmour ein verkappter Blueser?

Des Weiteren: Eine Sternstunde des Rock’n’Roll. Eine Betrachtung von Both Sides Now. Lauschen der ungekrönten Königin des weißen Bluesrock. Und im Vergleich dem Lizard-King. Erweiternd ein Porträt der Gorgeous Queen of Ruhrgebeat-Trash. Wir warten nach Heavy metal thunder nicht auf den Blitz, um den Göttern des Donners eine Referenz zu erweisen. Thrash Metal ist das Resulthat der Verschmelzung der Energie und Geschwindigkeit des Hardcore Punk mit den Techniken der New Wave of British Heavy Metal. Wir verorten die erste Punk-LP mit dem Bananenalbum. Oder war es doch der Garagenrock? Wann hört der Substance von Punk auf? Wann beginnt der Post-Punk? Ist das bereits New Wave? Oder stellt Polyrythmik den Höhepunkt dar?

The oldest sister with transistors was Laurie Anderson. Ihre jüngere Schwester im Geiste ist ein isländischer Kobold. Charmant an den Ambient Chansons von Mona Lisa Overdrive sind die Stücke, auf denen die Sängerin Nicole Vogt dem Material mit einer etwas fernen, wehmütigen Stimme eine Seele einhaucht. Geschlagene 16 (in Worten Sechzehn) Jahre lang kursierten unter den gewöhnlich gut eingeweihten Szenenkennen diverse Gerüchte um das unveröffentlichte Album Gift aus dem Jahr 2000. Es sollte seinerzeit Pia Lunds zweites Solo-Album nach ihrer Trennung von Phillip Boa & The Voodooclub werden. Lundaland, ihr Solo-Debüt von 1999, hatte die Kultsängerin als elegante Vorreiterin des verspielten Elektrobeats etabliert. Der Pyrolator aus Berlin erhielt in Anerkennung seines Lebenswerks das Hungertuch für Musik 2013. Eigentlich könnte: Dylan gut ohne den Nobelpreis für Literatur weiterleben und -arbeiten. Er ist auch kein genuiner Kandidat, insofern er halt kein ‚richtiger‘ Schriftsteller ist, sondern ein Singer-Songwriter. (Heinrich Detering)

Inzwischen gibt es: Pop mit Pensionsanspruch. Daher auch schnellstens der Schlussakkord: Die Erde ist keine Scheibe